Back in 1969, the lineup of Deep Purple had seen a drastic change: Jon Lord, Ritchie Blackmore and Ian Paice split up with singer Rod Evans and bass player Nick Simper and hired the former Episode Six musicians Ian Gillan and Roger Glover to complete the lineup.

One of the first shows to feature the new lineup was the live performance of Jon Lord’s “Concerto For Group and Orchestra”, an ambitious work to unite the different worlds of a rock band and a full orchestra which lay the foundation for Jon Lords career as composer / writer and solo artist. About a year later, the follow-up of the “Concerto” faced the light of day during a live performance at the Royal Festival Hall, again featuring his Deep Purple bandmates and conductor Malcolm Arnold.

While the “Concerto” had its focus on band and orchestra as a whole, “Gemini Suite” did focus on the different instruments, dedicating a track to guitar, piano, drums, vocals bass guitar and organ respectively. Also contrary to the “Concerto”, which took more than 40 years to be recorded in a studio, Jon Lord went to the studio in 1971 to record “Gemini Suite” as a studio project. At that time, the rock career of Deep Purple was in full flight and Ian Gillan and Ritchie Blackmore showed no interest in participating in the recording and were replaced by guitar player Albert Lee , multi talented Tony Ashton and singer Yvonne Elliman.

The 2019 vinyl release is based on the 2016 remaster by Rob Cass, using the original stereo mixes of the album. Luckily, the remaster doesn’t follow the popular trend of brick-walling every track and preserves the dynamics and overall feel of the original recording.

There’s still no explaination why the original artwork has been dropped and was replaced by completely new design, but the 2016 foreword by Roger Glover is also included on the inner sleeve.

When Deep Purple disbanded in 1976, Jon Lord and Ian Paice decided to start a new band, not trying to recreate what they already had with Deep Purple but to explore new musical directions.

As frontman they recruited singer and keyboard player Tony Ashton. Jon Lord had already collaborated with Tony Ashton composing the soundtrack for “The Last Rebel” (published 1971 as “Musical score composed by Tony Ashon & Jon Lord, performed by Ashton, Gardner & Dyke”) and on “First Of The Big Bands” (published 1974 as “Tony Ashton & Jon Lord”), an album which could be seen as some sort of blueprint for “Malice in Wonderland”.

The lineup was completed with Paul Martinez on bass and Bernie Marsden on guitar, a brass section fronted by Howie Casey and two female background singers, Sheila McKinley and Jeanette McKinley.

The recordings took place in Munich in autumn 1976 in basement studio of the Arabella hotel (inspiration for the song “Arabella”) and the album was released in early 1977, surprising many Deep Purple fans with a mix of Rock, Blues, Funk and Jazz.

To promote the album, a tour covering major European cities had been planned, but as tickets didn’t sell as expected, most dates were dropped from the oncoming tour, leaving just five British dates to be performed.

As time went by, Tony Ashton felt more and more uncomfortable with his role as frontman of PAL and it also turned out the fans needed more time to adjust to the sound of Paice Ashton Lord as expected. By the end of 1977, the band started the recordings for a second album, but as the momentum was gone the album was never finished and the band called it quits in 1978.

“Malice In Wonderland” will be reissued on May 17 2019 by earMUSIC, using the 2001 remaster by Nick Watson for the tracks of the original album. The release will also include eight bonus tracks from the never finished second album, remastered in 2019 by Eike Freese. The booket contains previously unpublished photographs by Alan Messer and detailed liner notes by Simon Robinson.

Sadly the reissue misses the opportunity to include the “Sight & Sound In Concert” live recording, which would have been a perfect addition to this otherwise fine release of an impressive album.

Meine Album-Highlights des Jahres 2018 in alphabetischer Reihenfolge:

Abel Ganz - Gratuitous Flash

Aus dem Dustkreis um Comedy Of Errors stammen Abel Ganz, deren Debut “Gratuitous Flash” lange Zeit überhaupt nicht auf Silberscheibe erhältlich war. 1984 erschienen, bietet das Album eine faszinierende Mischung aus Genesis mit Peter Gabriel und Marillion mit Fish, angereichert mit jeder Menge eigener Ideen.

Ayreon - Best Of Ayreon Live

Auf Studiowerken oft einen Tick zu langatmig, bietet “Best Of Ayreon Live” nicht nur eine gut gewählte Übersicht über das Schaffen von Arjen Anthony Lucassen, sondern gleichzeitig auch eine sowohl optisch als auch akkustisch überzeugende Party mit unzähligen Gästen am Mikrofon.

Big Big Train - Grimspound

Alle Jahre wieder gibt’s beim Night Of The Prog-Festival mindestens eine gute Band neu zu entdecken - 2018 waren dies Big Big Train, deren aktuelles Album “Grimspound” mindestens so überzeugend ist wie der etwas eingängigere Vorgänger “Folklore”.

Epica vs Metropole Orkest - Beyond The Matrix - The Battle

Das Rennen zwischen “Beyond The Matrix- The Battle” und “Epica vs Attack On Titan Songs” um einen Platz in dieser Liste war extrem eng. Beide Alben zeigen Epica von einer ungewöhnlichen Seite, aber letztendlich konnten die Grows zum Big Band Beat auf Grund des Coolness-Faktors doch einen leichten Vorsprung für sich verbuchen.

Riverside - Wasteland

Das erste Album nach dem Tod von Gründungsmitglied Piotr Grudzinski zeigt Riverside von einer düsteren, melancholischen Seite. Songs wie das eher untypische “Guardian Angel”, das spannungsreiche “Lament” oder das in der Instrumentalarbeit an Pink Floyd erinnernde “River Down Below” packen den Zuhörer von der ersten Sekunde an (nicht nur) mit ihrer Atmosphäre.

Mit “The Third Secret” melden sich Fifth Angel zurück, eine Band, die mit ihrem selbstbetitelten Debutalbum sowie dem minimal schwächeren Nachfolger “Time Will Tell” vor rund 30 Jahren beeindruckend auf sich aufmerksam machte und dann in der Versenkung verschwand.

Die Veröffentlichung fügt sich nahtlos in die aktuell grassierende Revival-Welle ein und da mit John Macko und Ken Mary auch zumindest ein Teil der Originalbesetzung am Werk ist, weckt das vorab von der Fachpresse bereits ausgiebigst bejubelte Album einiges an Erwartungen.

Wahrscheinlich ist dieser Vorabhype mit daran schuld, daß der erste Durchlauf trotz eines durchaus respektablen Albums enttäuscht, denn Fifth Angel schaffen es auf “The Third Secret” nur punktuell, an frühere Glanztaten heranzureichen.

An der handwerklichen Qualität gibt es hierbei nur wenig zu meckern. Das etwas düsterer ausfallende Gesamtbild passt, es fehlen aber über weite Strecken die magischen Momente, welche die beiden Vorgänger so besonders gemacht haben. Vor allem der Wechsel im Gesang (Originalsänger Ted Pilot ist nicht mehr mit von der Partie) wirkt sich deutlich aus, denn Neuzugang Kendall Bechtel liefert zwar über weite Strecken eine gute Leistung ab, kommt mit seinem etwas agressiveren Gesangsstil aber mehr als einmal an seine Grenzen bzw. überschreitet diese hörbar.

Fifth Angel haben mit “The Third Secret” letztendlich ein gutes, aber leider kein herausragendes Album abgeliefert. Würde nicht der bekannte Bandname auf dem Cover stehen, wäre fraglich, ob das Album nicht einfach ziemlich unbeachtet in den Regalen liegen würde. So reicht es zumindest für ein paar Durchläufe, bevor man doch lieber wieder die alten Fifth Angel-Scheiben hervorkramt.

Mit “Living The Dream” präsentieren Uriah Heep im 48. Jahr der Bandgeschichte (auch wenn nur noch Mick Box von der ursprünglichen Besetzung mit an Bord ist) ihr 25. Studioalbum und während im Laufe der Jahe das ein oder andere Mal lediglich Durchschnittskost ("Equator" anyone? ) geboten wurde, lassen es die fünf Herren diesmal so richtig krachen.

Wer auch immer die Idee hatte, Phil Lanzon auf “Living The Dream” von der Kette zu lassen, lag damit goldrichtig. Sein Hammond-Spiel verleiht dem Großteil der Nummern den entscheidenden Drive und lässt die Band so frisch und unverbraucht klingen, daß sich ein “Aha”-Effekt ähnlich wie seinerzeit beim Erscheinen von “Sea Of Light” einstellt.

Dazu trägt auch die über weite Strecken gesteigerte Songlänge bei, welche zwar an einigen wenigen Stellen einen Umweg zu viel benötigt, um auf den Punkt zu kommen, auf der anderen Seite aber Songs wie dem grandiosen “Rocks In The Road” genau die Zeit gibt, sich langsam zu entfalten und einen Spannungsbogen aufzubauen.

Natürlich wurden mit “AaAaAaAaAAAaaa”-Gesängen und WahWah-Gitarren auch wieder die Uriah Heep-typischen Trademarks eingebaut, so daß der Fan auch bekommt, was er erwartet. Dazu brilliert neben Phil Lanzon auch der nicht mehr ganz so neue Sänger Bernie Shaw, der beweist, daß er zumindest im Studio noch gut bei Stimme ist.

Es bleibt zu hoffen, daß einige (viele!) der neuen Nummern auch den Weg in die Setlist der kommenden Tour finden und nicht wie bei manch anderer Band nur ein oder zwei Songs als Alibi-Elemente zwischen den Klassikern, die man leider schon seit Jahren auswenig kennt, versteckt werden.